N° III | ÉTÉ 2025 / NUMÉRO SPÉCIAL « CRÉATRICES » | 1^er Volet | Bémols artistiques | Revue culturelle des continents 

Garden-Party, des fleurs plein les yeux & le cœur au Musée Würth à Erstein

Texte de

Françoise Urban-Menninger

Blog officiel : L'heure du poème

Photographies par

Claude Menninger

© Crédit photo : Claude Menninger, cet ensemble rassemble diverses toiles de fleurs dont les fleurs d'artichaut de Bernard Buffet dans l’exposition « Garden-Party au Musée Würth à Erstein », juillet 2025.

« Laissons parler les fleurs », nous conseille Christoph Becker et c’est bien cette parole muette et universelle qui nous porte et nous emporte au-delà des mots dans la découverte des œuvres de la collection Reinhold et Carmen Würth qui est mise en lumière du 20^e siècle à nos jours dans cette nouvelle exposition.

Dans le musée devenu jardin pour quelques mois, l’œuvre de l’artiste hollandais Herman De Vries, déjà montrée à la Biennale de Venise en 2015, se présente sous la forme d’un immense « herbier » avec ses 123 feuilles A4 où végétaux, coquillages, plumes, épines invitent à se reconnecter à la nature tout en offrant un nouveau regard sur le principe de l’accumulation qui fait songer aux trésors collectés par les enfants. Mais cette œuvre monumentale évoque également la lagune de Venise, son histoire y transparaît dans les fragments de filets ou de débris de verre poli de Murano, des hameçons ou cuillères utilisés pour la pêche...La lagune est mise en scène dans une « archéologie poétique », commente Estelle Zech, commissaire et scénographe de l’exposition et d’ajouter que «  les problématiques climatiques et écologiques sont également de mise. »

 © Crédit photo : Claude Menninger, des œuvres de Marc Quinn, sculptures & la femme-fleur, ainsi que les nymphéas d'Alex Katz dans l’exposition « Garden-Party au Musée Würth à Erstein », juillet 2025.

Les sculptures florales de Marc Quinn en bronze chromé mêlent le corps humain au végétal dans un continuum où un crâne sert de terreau à la plante qui s’en nourrit. Des fruits, des insectes animent ces vanités qui renvoient l’humain à son échéance inéluctable. Les peintures de Marc Quinn nous donnent à voir des fleurs qui béent tels des sexes offerts, des fraises symbolisent ce désir irrépressible qui  traverse et donne sa couleur à la vie. Les lithographies de Paul Wunderlich nous délivrent une poésie vénéneuse qui s’instille dans ses orchidées. Mais le plus fascinant reste cette œuvre de Marc Quinn où, couchée sur de la viande crue, une femme-fleur tisse le lien entre la vie et la mort, autrement dit, illustre le cycle de la vie.

Alex Katz, dans son hommage à Monet, nous octroie un instant figé en peignant la surface immobile d’un étang dans une esthétique japonisante qui confine à l’abstraction, ses boutons d’or nous immergent dans un bain de lumière pure... Salomé, dans le même esprit, ouvre les 365 petites fenêtres, comme pour un calendrier, sur l’inflorescence chatoyante de dizaines de nénuphars.

Plusieurs vidéos proposent des films d’animation sur la thématique des jardins, l’une d’elle met en images la très délicate branche de cerisier. Azumo Makoto, qui fut fleuriste sur un marché au Japon, radiographie les fleurs en jouant avec la lumière qui les éclaire de l’intérieur, ses compositions florales resplendissent et nous invitent parfois à méditer sur le système racinaire des plantes.

© Crédit photo : Claude Menninger, « L’herbier d’Herman De Vries » dans l’exposition « Garden-Party au Musée Würth à Erstein », juillet 2025.

À l’étage, le jardin peint par Max Liebermann, dans son propre jardin à Wannsee, tient du conte de fées avec ses touches impressionnistes. Ce lieu idyllique est devenu le sujet de plus de 200 tableaux et fait ainsi partie intégrante de son œuvre. Gabriele Münter peint des toiles sur carton, on se plaît à observer un canard en bois devant un vase de fleurs exubérantes, Johannes Itten déroule l’illusion optique des quatre saisons dont on retrouve les tonalités chromatiques hivernales, automnales, printanières et celles, flamboyantes, de l’été.

En progressant dans l’exposition, savamment agencée, on s’aperçoit que la vraie nature s’incarne dans des jardins fantasmés par les artistes. Nicole Blanchet, musicienne, peintre et chanteuse, lacère ses toiles où herbes hautes et roseaux composent une symphonie étrange bleue et verte. Derrière l’apparente douceur, la violence témoigne peut-être d’une nature tourmentée et blessée…

Une gigantesque toile retient le regard par son incommensurable et irradiante beauté, on songe bien évidemment à Klimt dans cet hommage que lui rend Gunter Damisch. Sur fond jaune, on admire des myriades de fleurs, en s’approchant, ce sont des agrégats de microcosmes que l’on reconnaît, ils évoquent des cellules aux origines de la vie terrestre.

© Crédit photo : Claude Menninger, ensemble avec au premier plan une sculpture de Donald Baechler, des tableaux de Nicole Blanchet & la toile de Gunter Damisch (en hommage à Klimt) dans l’exposition « Garden-Party au Musée Würth à Erstein », juillet 2025.

Signalons encore les magnifiques fleurs violines stylisées d’artichaut de Bernard Buffet, les somptueux bouquets d’Emil Nolde, les éblouissantes fleurs obtenues par grattage de Jean Fautrier, les fleurs luminescentes d’argousier de Gunter Grass ou encore les splendides natures mortes aux hyacinthes et anémones de Victor Bauer, sans oublier ses pois de senteur et chèvrefeuille dont on pressent les  divines exhalaisons. Rêvons devant les œuvres de Saeko Tagaki qui nous plongent littéralement dans une flore où nagent des poissons exotiques. Quant aux illustrations botaniques de Jan Peter Tripp, elles exercent sur nous un charme envoûtant, ineffable et intemporel.

Les deux étages parcourus dans les allées de cette exposition, on a envie de retourner sur nos pas,

tant l’appel des fleurs est prégnant car ces dernières touchent en nous notre âme végétale enfouie dans notre inconscient collectif et qui ne demande qu’à s’épanouir…

Pour ce faire, rien de tel que de poursuivre notre cheminement dans les allées du parc de cinq hectares en quête de notre jardin intérieur car rappelons-nous l’étymologie du vocable « fleur », soit flos, floris qui nous invite à appréhender « la partie la plus fine des choses », celle de notre être intime mais aussi à renouer avec nos racines végétales.

© Crédit photo : Peinture de nature morte par Nicole Blanchet dans l’exposition « Garden-Party au Musée Würth à Erstein », juillet 2025.

Un catalogue richement illustré offre un supplément d’âme à cette exposition à voir et revoir pour s’octroyer des parenthèses enchantées et retenir, comme dans un herbier, les bouquets de lumière de cette merveilleuse exposition.

© Françoise Urban-Menninger

Cette exposition splendide et exceptionnelle abrite des merveilles artistiques à découvrir !

Exposition à voir jusqu’au 4 janvier 2026

ZI. Ouest rue Georges Besse à Erstein

Entrée libre tous les jours pour tous

Du mardi au samedi de 10H à 17H

Dimanche de 10H à 18H

Visites guidées tous les dimanches à 14H30

www.musee-wurth.fr

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Pour citer ce bémol artistique inédit & illustré

Françoise Urban-Menninger, « Garden-Party, des fleurs plein les yeux et le cœur au Musée Würth à Erstein » avec des photographies par Claude Menninger Le Pan Poétique des Muses | Revue féministe, internationale & multilingue de poésie entre théories & pratiques : ÉTÉ 2025 | NO III NUMÉRO SPÉCIAL « CRÉATRICES », 1^er Volet, mis en ligne le 29 juillet 2025. URL :

https://www.pandesmuses.fr/2025noiii/fum-gardenparty

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Mary Cassatt

(1844-1926)

Notice biographique par

Sarah Mostrel

Site : https://sarahmostrel.wordpress.com

Facebook : https://www.facebook.com/sarah.mostrel

Chaîne You Tube : https://www.youtube.com/user/SarahMostrel

Crédit photo : Mary Cassatt (1844-1926), « Autoportrait », peinture tombée dans la domaine public, capture d'écran par LPpdm d’une photographie libre de droits trouvée sur le web.

    Elle a su s’imposer dans un milieu d’hommes et est parvenue à vivre de son art. Avec Berthe Morisot, Marie Bracquemond (1840-1916) et Eva Gonzalès (1847-1883), l’impressionniste se détache du regard masculin stéréotypé, où les femmes ne pouvaient pas faire de portraits d’hommes hors de leur famille, ni de grandes fresques historiques. Les femmes chez Cassatt sont différentes. Elles sont peintes non en objets passifs mais s’instruisant, ou instruisant leurs enfants. L’aquafortiste aimait dépeindre la maternité des femmes. Étonnamment, car elle ne fut pas mariée, et n’eut pas d’enfant. Passionnée d’estampes japonaises, l’Américaine née dans une famille fortunée de Pennsylvanie en 1844 se plaisait à mettre en valeurs les corps féminins, la chair, l’intimité féminine. 

      Devenue aveugle vers la fin de sa vie, la peintre « psychologique » (elle était très attentive à la figure humaine dont elle parvenait à dégager la personnalité) s’inscrit dans le féminisme essentialiste, où les femmes doivent s’exprimer dans leur singularité. Elle subira cependant les critiques d’hommes qu’elle côtoie et même de ses amis. « Je ne peux pas croire qu’une femme dessine aussi bien », lui lance ainsi Degas en 1892, décontenancé par sa toile Jeunes femmes cueillant des fruits. 

    Mary Cassatt a participé au changement qui s’opère au XIX^e siècle, où des femmes sont soudain représentées en vêtements de travail avec des chevalets. La portraitiste aimait représenter la vie dans sa sphère intime, et a mis en valeur les femmes dans leur identité. 

© Sarah Mostrel, extrait de « Femmes inspirantes » (éd. Non Nobis) reproduit avec l’aimable autorisation de l’artiste-autrice et sa maison d’édition.

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Pour citer cet extrait inédit

Sarah Mostrel, « Mary Cassatt (1844-1926) », Le Pan Poétique des Muses | Revue féministe, internationale & multilingue de poésie entre théories & pratiques : ÉTÉ 2025 | NO III NUMÉRO SPÉCIAL « CRÉATRICES », 1^er Volet, mis en ligne le 7 juin 2025. URL :

https://www.pandesmuses.fr/2025noiii/sm-marycassatt

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Tamara Lempicka

(1898-1980)

Notice biographique par

Sarah Mostrel

Site : 

https://sarahmostrel.wordpress.com

Facebook : https://www.facebook.com/sarah.mostrel

Chaîne You Tube :

https://www.youtube.com/user/SarahMostrel

Crédit photo : Tamara Lempicka (1898-1980), autoportrait de la peintresse en Marie ou une Sainte, capture d'écran par LPpdm d’une photographie libre de droits trouvée sur le web.

   Née en mai 1898 à Varsovie, de Boris Górski, avocat russe de confession juive et d’une mère polonaise, Maria Gorska évolue dans un milieu confortable, et effectue de nombreux voyages avec sa sœur Adrienne, dès sa prime enfance, à Saint-Pétersbourg, Varsovie, Monte-Carlo et Lausanne, lieux de villégiature. La Première Guerre mondiale éclate lorsqu’elle a 16 ans. Que faire ? La peinture est déjà une vocation pour la jeune fille qui vit à Saint-Pétersbourg chez une tante et qui s’est inscrite à l’Académie des beaux-Arts. Deux ans plus tard, elle rencontre Tadeusz Lempicki, un avocat qu’elle épouse en 1916.

     Lors de la révolution d’Octobre, c’est la débâcle. L’aristocrate est arrêté par les Bolcheviks en 1917, elle parvient à le faire libérer mais ils doivent fuir. Le couple vend bijoux et œuvres d’art, rejoint Copenhague puis Paris chez des cousins. Il faut gagner sa vie. Repartir à zéro. Tadeusz ne veut pas travailler. La jeune femme sait déjà ce qu’elle veut être : artiste peintre. Qui plus est, célèbre et riche ! Elle se forme à la Grande Chaumière, avec André Lhote, et à l’académie Ranson, avec Maurice Denis. En 1922, elle se présente au Salon d’automne, et déjà, se fait remarquer avec un style très particulier. Sauf que son œuvre Perspective, qui représente deux nus féminins dans une pose intime, est signée Lempitzky et tous croient que l’auteure du tableau est un homme. Le pot aux roses sera découvert deux ans plus tard.

   Le style de la jeune femme devient reconnaissable entre tous. Elle mêle de ses pinceaux la Renaissance italienne et le néo-cubisme, un sacré mélange de classicisme et de modernité, d’élégance et de structuré. Tout cela se fond parfaitement dans le mouvement Art déco en vogue. Les personnages sont parfois architecturaux, les femmes peintes à la garçonne. Les peintures ont du rythme, on y perçoit une réelle maîtrise pleine de délicatesse et de géométrie. Tamara croit au décoratif et oriente son art de la sorte. 

     Sa première exposition personnelle a lieu à Milan en 1925 et c’est le succès. L’artiste prend son envol et s’émancipe. Elle fréquente le beau monde, l’écrivain André Gide, la chanteuse Susy Solidor, le couturier Paul Poiret, de riches industriels, des princes russes comme les Youssoupov à Boulogne. Elle prend comme modèles la duchesse de la Salle, le grand-duc Gabriel Constantinovitch (cousin du tsar Nicolas II de Russie), le Dr Boucard, inventeur fortuné…

   Ses tableaux sont novateurs, souvent provoquants et véhiculent une image de la femme très libre. C’est en fait ce qu’elle est, libre, indépendante, avant-gardiste et bisexuelle déclarée (on lui connaît notamment des relations avec les auteures Colette, Violet Trefusis, Vita Sackville-West…). Installée à Montparnasse, elle aime la vie parisienne, fréquente les bars de nuit, donne libre cours à ses attirances d’un soir. C’est le temps de l’après-guerre, le jazz bat son plein, les femmes sont belles et sensuelles, et c’est ainsi que Tamara les peint. 

   Cependant, celle qui fréquente la bohème dérange. Sa beauté, son charisme, sa liberté font peur, ses nus féminins font parfois scandale. Tamara n’en a que faire, travaille sans compter. « Mon but : ne copie jamais. Crée un nouveau style, clair, sculptural, des couleurs lumineuses, et perçois l’élégance dans tes modèles », énonce-t-elle. Et elle réussit avec brio. « Je veux qu’au milieu de cent autres, on remarque une de mes œuvres au premier coup d’œil », ambitionne-t-elle. C’est le cas.

   En 1927, la mondaine sort avec le dandy Gabriele d’Annunzio. Le vieil écrivain italien tombe éperdument amoureux de la belle de 35 ans sa cadette, et offre à sa protégée un topaze qu’elle gardera toute sa vie. En 1928, elle divorce de son époux, père de leur petite fille Marie-Christine dite Kizette, née en 1916 et dont Tamara ne s’est pas beaucoup occupée. La fillette est souvent laissée à sa grand-mère Malvina et délaissée par sa mère pour qui le métier d’artiste passe avant tout. (Kizette confiera plus tard sur cette maman absente, impulsive, excentrique, capricieuse, pas facile à vivre et voulant tout contrôler : « elle était stricte avec tout le monde mais tout d’abord avec elle-même (...) On n’avait pas le droit d’être fatigué, de remettre au lendemain les choses à faire. » « Nous étions proches », ajoutera celle que sa maman a peinte et qui l’emmenait chaque année en vacances, sur les lacs italiens, en Espagne, en Grèce.)

   En 1929, Tamara part à New York, et est très impressionnée par les gratte-ciels. De plus en plus demandée, elle expose en Pologne où elle reçoit une médaille de bronze à l’Exposition internationale de Poznan, à Paris (dans quatre salons et à la galerie Colette Weil) et aux États-Unis (au Carnegie Institute de Pittsburgh). 

    La même année, la transgressive aux mœurs débridées rencontre le baron Raoul Kuffner, grand admirateur de son art. C’est un propriétaire terrien hongrois dont la famille a été anoblie par l’empereur d’Autriche, un aristocrate. La libertaire déménage alors rue Méchain, dans un superbe atelier dessiné par l’architecte Robert Mallet Stevens. Il n’y a pas que Tamara qui fait sensation dans la capitale ! Sa sœur d’un an sa cadette, Adrienne alias Ada de Montaut, architecte et première femme membre de l’Union des artistes modernes, fait aussi fureur. Mariée à Pierre de Montaut, membre de l’Union des architectes modernes, elle est spécialisée dans le cinéma, un domaine que Tamara adore, avec Hollywood. 

   Tamara vénère Greta Garbo et en a définitivement les allures, en égérie des Années folles. Son fiancé « Rollie » est riche, la portraitiste attitrée de la jet-set l’épouse en 1933. De comtesse, elle devient ainsi baronne, mais côté artistique, ce n’est plus l’euphorie des débuts. Tamara déprime. Ses tableaux s’en ressentent. Les sujets changent. La crise économique fait rage. 

      En 1939, la Seconde Guerre mondiale éclate. Tamara et son mari fuient aux États-Unis, où l’artiste entretient sa réputation de reine de la mode, continue de peindre, et pose avec son idole Garbo. Elle expose à New York et à San Francisco chez Paul Reinhardt et chez Julien Levy, mais l’art décoratif n’est plus en vogue et on l’oublie... Elle se met à l’abstrait. Dans les années 70, on la rappelle, mais la star est passée à autre chose. Elle coule des jours plus calmes dans le pays de l’oncle Sam, prend du temps pour elle, a une résidence au Mexique, pays où elle s’éteindra, à Cuernavaca, en 1980.

© Sarah Mostrel, extrait de « Femmes inspirantes » (éd. Non Nobis) reproduit avec l’aimable autorisation de l’artiste-autrice et sa maison d’édition.

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Pour citer cet extrait inédit

Sarah Mostrel, « Tamara Lempicka (1898-1980) », Le Pan Poétique des Muses | Revue féministe, internationale & multilingue de poésie entre théories & pratiques : ÉTÉ 2025 | NO III NUMÉRO SPÉCIAL « CRÉATRICES », 1^er Volet, mis en ligne le 3 juin 2025. URL :

https://www.pandesmuses.fr/2025noiii/sm-tamaralempicka

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